ReCIA — Revista del Centro de Investigación en Artes
ReCIA — Revista del Centro Investigación en Artes de Altea es una revista científica bianual, electrónica, de acceso abierto (OJS), e internacional, con un sistema de revisión por pares ciegos. Es la revista del CÍA — Centro de Investigación en Artes de Altea de la Universidad Miguel Hernández, y por tanto una herramienta para dar difusión y amplificar la investigación contemporánea en artes. Surge del ensamblaje de los 5 Laboratorios de investigación del CÍA, de ahí su vocación interdisciplinar e integrada donde se combinan perspectivas y habilidades, pero también multidisciplinar, donde se trabaja de manera conjunta, pero cada quien desde el enfoque de su ámbito de especialización. ReCIA es un espacio abierto a investigadores e investigadoras, profesionales y estudiantes con interés o con especialización en el campo de la investigación en artes.
Términos de la licencia
ReCIA 3. Imaginar Futuros. Tiempos precarios y narrativas críticas Portada, créditos e índice. Imagen de portada: IAM-Lab, Caos y Micelio. 2025. Fundación La Posta, Valencia
Derechos de autor 2026 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Imaginar futuros. Tiempos precarios y narrativas críticas
La editorial sitúa el monográfico Imaginar futuros. Tiempos precarios y narrativas críticas en un contexto de crisis sistémicas donde el realismo capitalista y la intrusión de Gaia limitan la imaginación política, y propone el arte como dispositivo epistémico capaz de generar temporalidades críticas y futuros sostenibles. Desde referencias como Stengers, Fisher, Le Guin, Morton o Haraway, se plantea la imaginación como práctica social encarnada y situada, que articula precariedad, colaboración y comunidad frente a la aceleración y el extractivismo contemporáneos. Los doce textos se organizan en torno a temporalidades críticas, precariedad estructural y narrativas de resistencia, abordando metodologías autoetnográficas, ficciones críticas, pedagogías experimentales y culturas visuales digitales como espacios de imaginación colectiva y de reconfiguración del reparto de lo sensible.
Derechos de autor 2026 Elisa Lozano Chiarlones, Teresa Marín García, José Miguel Maldonado, Miguel Lorente (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ante la exclusión: hacia una pedagogía crítica de la imaginación
El artículo propone una reflexión crítica sobre las imágenes como territorios de disputa en las dinámicas de inclusión y exclusión contemporáneas. Frente a los sistemas de exclusión que operan a través de la representación, planteamos desplazar las políticas de la mirada hacia la materialidad de las imágenes, entendiendo sus superficies como sitios de intercambio y transformación donde se juegan tensiones entre visibilidad e invisibilidad. La imaginación opera como una facultad política y material, transindividual, capaz de reconfigurar imágenes existentes y abrir posibilidades de resistencia frente a la precarización de la vida. Buscamos una imaginación que se cuela inesperadamente por las grietas de la materialidad de la imagen, posibilitando más imágenes y trabajando las resistencias de la materia como aperturas críticas. A través de procesos de investigación-creación con estudiantes de diversas disciplinas que no necesariamente provienen del campo artístico, se desarrollaron dispositivos pedagógicos para intervenir materialmente las imágenes. Utilizamos el video como herramienta pedagógica por su carácter ensayístico, lo que permitió generar gestos reflexivos que se valen de la potencia política de la imagen pobre y la actitud amateur. Presentamos tres ejemplos de trabajos de estudiantes en torno a problemáticas de exclusión de género y políticas del cuerpo desde perspectivas feministas, explorando formas de iconoclasia contemporánea. Las pedagogías propuestas buscan activar una imaginación compartida que genere aperturas hacia nuevas relaciones colectivas. Esto abre la posibilidad de imaginar futuros frente a modos de existencia vulnerados.
Derechos de autor 2026 Edwin Culp, Esteban Reyes-Rodríguez (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cristina Ghetti. Folding pattern series, 2020. Dibujo digital. Impresión digital sobre papel, 50 x 70 cm.
Derechos de autor 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
RAW MATTER #MATERIA EN CRUDO. Investigaciones y discursos artísticos sobre los Estados de la Materia: líquido, sólido, efímero, inmaterial
RAW MATTER #MATERIA EN CRUDO es el concepto del que parten los objetivos de este monográfico dedicado a las investigaciones y discursos artísticos sobre los estados de la materia: líquido, sólido, efímero, inmaterial.
Juan Francisco Martínez Gómez de Albacete
Derechos de autor 2025 Martínez Gómez de Albacete , Lourdes Santamaria Blasco, M. José Zanón Cuenca (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ficción audiovisual, crisis ecológica y ecotopías: el deseo debe cambiar de bando.
En este texto se describe el contexto teórico y las referencias usadas para la creación de dos cortos audiovisuales: Viatge a Zanbiose (2022) y To All the Population (2023). Ambas obras buscan establecer un diálogo con la tradición literaria de las eutopías verdes o ecotopías, observando los contenidos y estrategias de algunas de sus obras para trasladarlos a una narrativa visual que problematiza con la crisis socio-ecológica actual.
Derechos de autor 2026 Carlos Llonch-Molina (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La fuente. Epílogo visual de una práctica artística en tiempos de colapso
La fuente es un ensayo visual que constituye el epílogo de la investigación doctoral El arte como experiencia de disolución del sujeto. Hacia una práctica artística en tiempos de colapso, que se articula a partir de diversas metodologías basadas en las artes y dirigidas por la práctica, así como de la autoetnografía desde el conocimiento situado y de metodologías transformativas. En el marco de esta investigación, se combinan las dimensiones artística, investigadora, activista y de transformación de la identidad personal en un largo viaje intelectual y vital. La fuente brota de una experiencia de exilio interior en el año I de la era post-Walk y concibe la práctica artística como un vehículo capaz de transformar la vida y redefinir el concepto que tenemos sobre nosotras mismas, estableciendo nuevas relaciones con el mundo natural. A través de la experimentación con nuestras subjetividades y la expansión de la conciencia, esta práctica prefigura nuevos escenarios existenciales. La acción se produjo en el contexto de extrema sequía en la Cataluña rural a principios de 2024 y fue documentada mediante una serie de fotografías, un vídeo en color y otro en blanco y negro, junto al ensayo que aquí se presenta. La documentación visual muestra la acción cotidiana de una mujer que transporta andando agua desde una fuente, mientras que el texto revela el trasfondo de precariedad vivido durante semanas de aislamiento en una caravana, así como las reflexiones de la artista: interiores, espirituales, políticas y de adaptación profunda ante la crisis climática, ecológica y civilizatoria.
Derechos de autor 2026 Marta Moreno Muñoz (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Imágenes en resistenZia: prácticas visuales y metodologías estéticas en las en las protestas juveniles de Nepal
Este artículo analiza las protestas juveniles conocidas como Revolución Z en Nepal (2025) desde la perspectiva de los estudios visuales y las prácticas artísticas contemporáneas, como un acontecimiento en el que se entrecruzan precariedad política, agencia juvenil y creación estética en un contexto de represión y censura digital. A partir de un enfoque interdisciplinar desde los estudios visuales y las prácticas artísticas, se examina cómo las protestas no solo constituyeron un acto de resistencia contra la corrupción y el autoritarismo, sino también un laboratorio de temporalidades críticas y de imaginación política. El trabajo examina cómo las visualidades generadas durante la revuelta —fotografías, vídeos, memes, transmisiones en directo— hacen un tránsito de lo periodístico a lo artístico, revelando su potencia crítica incluso en su fragilidad y circulación efímera. Asimismo, se explora la dimensión performativa e irónica de la protesta juvenil, con la incorporación de símbolos de la cultura pop y la resignificación de las redes sociales como espacios de creación colectiva. La principal aportación del estudio consiste en conceptualizar las prácticas visuales de la Revolución Z como métodos estéticos de resistencia que articulan lo documental, lo performativo y lo irónico, —atravesadas por la inmediatez y la sobreabundancia mediática— mostrando cómo las culturas visuales digitales contemporáneas permiten a las generaciones jóvenes disputar los marcos de representación dominantes activando memorias colectivas y proyectando horizontes de futuro no distópicos desde lo común y desde el presente precario.
Derechos de autor 2026 Santiago Rubio Fernández (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
SOBRAS TRASATLÁNTICAS. Cantos de ahora, cuentos del pasado y otros viajes al futuro, Nina Hoechtl y Rían Lozano (Coords.)
Reseña del libro: Hoechtl, Nina y Lozano, Rían (Coords.). (2024). SOBRAS TRASATLÁNTICAS. Cantos de ahora, cuentos del pasado y otros viajes al futuro. Centro de Investigaciones y Estudios de Género, Instituto de Investigaciones Estéticas y Casa del Lago, UNAM.
Derechos de autor 2026 Mauricio Patrón Rivera (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Experimentar futuros: pedagogías críticas más allá del solucionismo
Las narrativas dominantes en educación, centradas en la innovación tecnocrática y en la razón predictiva, tienden a clausurar lo posible y a reducir la apertura de la experiencia educativa. A partir del marco elaborado previamente sobre una posible pedagogía de la imaginación crítica (Tesconi, 2025), este trabajo se propone explorar sus potenciales pedagógicos, con especial atención a la dimensión experimental. El enfoque es teórico y se apoya en la pedagogía crítica (Freire, 1970/2005; hooks, 1994; Biesta, 2013; Greene, 1995) y en reflexiones filosóficas recientes sobre la imaginación como poiesis (Garcés & Gozalo-Salellas, 2025). Desde ahí, se plantea lo experimental no como verificación de hipótesis, sino como práctica poiética y artística que posibilita desplazamientos, extrañamientos y creaciones colectivas. Se concluye que la pedagogía experimental ofrece una narrativa crítica frente al solucionismo educativo, al situar la colectividad y la apertura como condiciones de posibilidad de lo por venir. En palabras de Danilo Dolci, «ciascuno cresce solo se sognato» [«cada uno crece solo si es soñado»]: educar es también soñar a los otros tal como aún no son.
Derechos de autor 2026 Susanna Tesconi (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La precariedad del Monstruo. Monumentos para tiempos inestables
Atendiendo al actual tiempo precario, líquido, en el que nada es estable más allá que la generación de residuos, el presente texto sirve de propuesta sobre cómo deben ser los monumentos que describan esta época: inestables, espontáneos, efímeros y construidos a partir de desechos. Para ello, tomamos como referencia Monstruo: un proyecto de creación artística propia que surge en colaboración junto a Ignacio Pérez-Jofre. Un proyecto que no solo reutiliza la basura abandonada en la urbe, sino también espacios que, al quedar al margen del tejido productivo de la ciudad, quedan relegados a la condición de vertederos ilegales. Fábricas abandonadas, urbanizaciones deshabitadas, descampados… Espacios en los que desechar aquello que debe quedar oculto. Lugares que, igual que un monstruo, cuestionan la integridad de un sistema y advierten sobre un peligro. Lugares resultados de una lógica consumista que, basada en el derroche y desperdicio, necesita desechar, expulsar constantemente para perpetuar su fluidez.
Derechos de autor 2026 Alejandro Fuertes Sánchez (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Imagen e Imaginario: trans-temporalidad en Tiempos de Guerra
El artículo analiza la relación entre imagen, percepción y temporalidad mediante los conceptos de Imagen Residual, Imagen Latente y Eidolon, mostrando cómo las obras artísticas reconfiguran la memoria y el Imaginario. Estos términos se desarrollan a través de un estudio fenomenológico que analiza los objetos de arte derivados de la película de culto alemana ‘Das Boot’, como el ejemplo ‘Millionen Glitzerlichter (Das Boot)’. Se evidencia cómo un mismo objeto material puede operar simultáneamente entre lo concreto y lo abstracto. La investigación destaca los mecanismos de abstracción, síntesis y sustracción, que permiten a la imagen desmaterializarse y rematerializarse, transformando su relación con la percepción y la experiencia. Se enfatiza la imagen como un espacio de fricción temporal, donde lo pasado, lo presente y lo potencial coexisten, y donde la percepción visual, sonora y táctil genera memoria compartida y posibilidades futuras. Los composite alemanes, como Glitzerlichter, ejemplifican cómo el lenguaje puede generar conceptos autónomos que revelan dimensiones perceptivas complejas, vinculando la abstracción lingüística con la experiencia sensorial y el objeto de arte. El artículo no busca ofrecer interpretaciones cerradas, sino abrir un diálogo sobre el papel de los sentidos y las imágenes en la creación de narrativas. Esta aproximación permite reflexionar sobre la fragilidad de los imaginarios, el significado de las obras y los conceptos, así como sobre la capacidad de la imagen para suspenderse entre lo que fue, lo que es y lo que podría ser.
Derechos de autor 2026 Meral Acarlioglu (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Codex Lunaris: cartografías ficticias y futuros no distópicos
La cartografía ficticia y la fabulación crítica ofrecen herramientas para cuestionar las narrativas dominantes sobre la colonización y explotación espacial, explorando cómo imaginamos y representamos otros territorios. Este ensayo analiza cómo la combinación de ruinas, monumentos imposibles, escenas cotidianas y fauna imaginada permite reflexionar sobre fragilidad, precariedad, temporalidades críticas y relaciones alternativas con el espacio. Se discute cómo estas estrategias transforman la percepción de la Luna: de objeto neutro a territorio simbólico. Aquí, lo extraordinario y lo cotidiano coexisten, generando posibilidades colectivas de interpretación. El proyecto artístico Codex Lunaris se utiliza como ejemplo de archivo ficticio y fabulación crítica, mostrando cómo el arte puede funcionar como laboratorio de futuros, activando la imaginación crítica y cuestionando la linealidad del progreso y la lógica extractivista de la exploración espacial. La obra demuestra que imaginar mundos distintos implica considerar la convivencia, las micro-ecologías y la exposición estructural como elementos centrales de la experiencia, proponiendo nuevos modos de habitar y percibir territorios desconocidos.
Derechos de autor 2026 Sandra Aicart (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Crear pese a todo: la producción artística como motor crítico
Ante un presente caracterizado por crisis permanentes, una desesperanza difícilmente combatible y un individualismo rampante, el arte puede funcionar como una herramienta para activar la mirada crítica y construir alternativas posibles. El artículo explora la capacidad de activación simbólica y emocional del arte, de restauración de las comunidades e impulso de cambios sociales. Partiendo desde los años 60, se expone como se intensificó la conexión entre arte y política y se exploran problemáticas concretas sobre las que se ha trabajado, como la emergencia climática con el colectivo Basurama, con una actividad centrada en la crítica al sobreconsumo, y Agnes Denes, artista que ha trabajado directamente sobre el medio natural restaurando espacios. Por otro lado, se exploran propuestas feministas con Regina José Galindo, que emplea su cuerpo en performances como una herramienta para denunciar la violencia ejercida sobre las mujeres, y con Guerrilla Girls, que usando tácticas publicitarias y la gráfica han cuestionado cómo en las instituciones culturales permean también los patrones de desigualdad. Son prácticas que interpelan al espectador y que además reivindican el arte como un espacio de resistencia, reparación y de generación de nuevas posibilidades y formas de vida que sean más sostenibles e igualitarias.
Derechos de autor 2026 Lucía Sánchez Álvarez (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Resistir la velocidad: pedagogías de la lentitud en tiempos de aceleración visual
La huerta murciana no es un recuerdo inmóvil ni un decorado pintoresco. Es, todavía hoy, un espacio donde el agua corre por acequias que a veces rebosan de maleza, donde el suelo guarda la huella de la azada y donde las parras proyectan una sombra que no se mide en metros cuadrados, sino en tiempo vivido. Frente a ello, la ciudad avanza con un pulso más rápido, asfaltando diferencias, estandarizando lo que toca. Y sin embargo, en esa fricción late algo más que un conflicto territorial: se juega la manera en que aprendemos a mirar, a esperar, a habitar. Este ensayo visual no pretende fijar una imagen nostálgica, sino abrir un recorrido entre pares de escenas: un rodal de riego frente a la geometría de un aparcamiento, la frescura vegetal frente al vidrio de una marquesina. Imágenes que, más que describir, sugieren una pedagogía callada: la huerta enseña a sostener y a cuidar, mientras la ciudad entrena en la prisa y en el consumo. ¿Qué tipo de educación queremos transmitir a quienes vendrán después? ¿La que nace de la espera y la fragilidad compartida, o la que impone la velocidad y la clausura? No se trata de elegir entre pasado y presente, sino de reconocer que en la huerta se conserva un archivo vivo de prácticas y valores, una reserva de futuro en medio de la precariedad.
Derechos de autor 2026 Antonio Ortiz Martínez, David López Ruiz (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Entre realidad, ficción y virtualidad. Cartografías de las ficciones críticas: de Cervantes a Hito Steyerl
El presente artículo trata de estudiar las tensiones y posibles dialécticas entre realidad, ficción y virtualidad en ciertas estrategias artísticas contemporáneas que problematizan los conflictos ecológicos, políticos y sociales desde la perspectiva de la ficción crítica, según los modelos de Cervantes, David Foster Wallace y Kafka, y desde una perspectiva foucaultiana matizada por las influencias de Bruno Latour, Donna Haraway o Remedios Zafra. Desde este paradigma, hemos planteado el análisis de casos de determinadas prácticas artísticas que combinan medios digitales, realidad aumentada, narrativas especulativas o falsos tutoriales (Hito Steyerl) que visibilizan crisis ambientales (Marina Zurkow), desplazamientos migratorios (Forensic Oceanography) y/o vulnerabilidades territoriales (Iconoclasistas). Por último, hemos estudiado cómo estas diferentes ficciones críticas, cada una con sus propios mecanismos narrativos, expanden la percepción del presente y abren la posibilidad de imaginar futuros sostenibles más allá del discurso distópico que relacionan el fin del mundo con el fin del sistema capitalista.
Derechos de autor 2026 Guillermo Ferra Jodar, Mariano Monge Juárez (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Deriva urbana fotográfica: la conformación del imaginario de Kingston upon Hull desde su espacio construido
En la construcción del imaginario urbano, la fotografía se configura como una herramienta idónea capaz de revelar formas alternativas de percepción, apropiación y significación del espacio construido. Este estudio entiende la ciudad como una construcción experiencial, donde la materialidad arquitectónica se entrelaza con prácticas relacionales que generan un entramado urbano plural y dinámico. A partir del caso de Kingston upon Hull (Reino Unido), se propone una aproximación al espacio construido mediante la deriva urbana fotográfica como metodología de investigación, aplicada al análisis de cuatro fotografías de autor. La deriva, concebida como un desplazamiento por la ciudad no planificado y atento a lo contingente, posibilita la identificación de fragmentos de la trama urbana que suelen quedar fuera de las narrativas hegemónicas. La práctica fotográfica, por su parte, permite representar esos espacios desde un enfoque autoetnográfico, reconociendo el valor epistemológico del conocimiento situado. Así, el análisis articula el hecho arquitectónico con sus dimensiones simbólicas, poniendo de relieve capas de memoria, transformación y exclusión que subyacen al espacio construido, a menudo al margen de cualquier lectura formal. Esta aproximación situada y crítica ofrece claves para una relectura contemporánea de la ciudad y contribuye al debate sobre metodologías creativas en el estudio del patrimonio arquitectónico y el paisaje urbano.
Derechos de autor 2026 Pedro Palleiro Sánchez (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Todos somos líquenes. Nuevas prácticas artísticas para un mundo multiespecies
Avanzando ya en este siglo XXI, resulta cada vez más difícil negar la evidencia de que vivimos en un planeta herido. La capacidad del arte para generar preguntas, para cuestionarnos quiénes somos y en consecuencia cómo nos relacionamos con nuestro entorno, jugará un papel determinante en un futuro no muy lejano. Desde este punto de partida, podríamos hablar de dos aspectos clave que pueden servirnos de inestimable ayuda en este nuevo y fascinante viaje: por un lado, dedicarles una atención especial a los procesos de generación de la forma en la naturaleza y por otro, la adopción y la investigación de nuevas materialidades. La escultura contemporánea puede, y debe, nutrirse de esta nueva materialidad. Una materialidad que es materia y concepto al mismo tiempo. Así, atento a este contexto, mi obra artística surge de una extrañeza activa frente a un mundo cuya complejidad es inabarcable pero no por ello menos estimulante y seductora y desde la convicción de que las coordenadas en las que nos hemos movido en tantos campos nos han llevado a un camino de no retorno. Se trata de un trabajo que, apuesta decididamente por el acercamiento a esos procesos biológicos y simbióticos, a estas nuevas materialidades (bio-celulosa bacteriana, algas, biopolímeros de almidón, colofonia, micelio…) y a geometrías compuestas por múltiples superposiciones, discontinuidades y pliegues. Son obras que surgen de una mirada atenta a un mundo que nos deja más dudas que certezas, donde el tiempo y la materia son partes inseparables de la generación de la forma.
Derechos de autor 2025 Nacho Carbó del Moral (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El alabastro como soporte material y materia de creación
El objetivo fundamental y significativo de esta disertación es presentar la aportación plástica personal de nuestra investigación y creación mediante el alabastro, para abordar el binomio de materia/material desde la vertiente natural y cultural. Esto se centra en enumerar y exponer los diferentes proyectos de investigación y creación desarrollados a partir de la conceptualidad del alabastro. Por ello hacemos un recorrido tanto histórico como creativo sobre las posibilidades técnicas, expresivas y conceptuales del alabastro, un material al que define por su lenguaje plástico, color, textura, origen, etimología, manufactura, etc. Desde la antigüedad hasta la época contemporánea, el uso de este material lumínico puede ser entendido como soporte material y materia de creación significativa. La investigación se centró en cuatro variedades de alabastro y en sus planos matéricos con diferenciadas cualidades. El alabastro presenta distintas calidades y cualidades, convirtiéndose en una materia espiritual a través de su presencia física y a través de su intensidad luminosa y translucidez, que transciende como significación más allá del uso inmediato como soporte objetual. Conceptos fundamentales del lenguaje plástico del alabastro incluyen factores naturales, perceptuales, visuales, hápticos, semánticos, expresivos y conceptuales que operan en la transformación de la materia y la conformación de la forma a través del dualismo materia/forma.
Derechos de autor 2025 María-Jesús Cueto-Puente (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Entre el ser y el hacer es una reflexión sobre el origen y el quehacer de la expresión artística. Considerando el arte como forma de conocimiento para el artista, la expresión artística es el diálogo con la materia, con el espíritu, con la emoción, con la ciencia y con el humanismo, y lo más importante, junto con la interacción, es el compartir. Para la creación se ponen en sincronía cerebro, corazón y cuerpo, y ante cualquier nueva experiencia hay que escuchar y desarrollar la atención. ¡Cuántas neuronas se ponen en movimiento por todos los circuitos posibles ante la experiencia creativa, la experiencia artística y la experiencia estética! Además, en la creación, en la contemplación, en la experiencia estética, y en las experiencias meditativas, el corazón y el cerebro entran en comunicación en la medida justa. Eso nos permite percibir más allá de nosotros mismos, no tan condicionados por nuestra percepción del yo. Si pudiéramos sentir que todo y todos formamos parte de algo tan grande y complejo, abriríamos muchas barreras a nuestra capacidad de interpretar el mundo y sería más fácil establecer las relaciones entre las cosas. Ese vínculo indisoluble entre lo efímero y lo eterno, entre lo sólido y lo ligero, lo pesado y lo ingrávido, dan vueltas constantemente en mi quehacer. A través de la alquimia entre el pensamiento y los materiales que logran esa vinculación, podemos reflexionar sobre cuál es la capacidad y el papel del arte en la visión e interpretación del mundo.
Derechos de autor 2025 Pamen Pereira (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La escultura en el campo especulativo: prótesis, cíborg y monstruosidades
El artículo “La escultura en el campo especulativo: prótesis, cíborg y monstruosidades” explora tres vertientes en la reconfiguración del cuerpo y la identidad a través de la escultura contemporánea diseccionada en tres etapas. En la primera, se analiza la era protocíborg, entendida como la antesala del cíborg. Aquí, el concepto prótesis emerge como herramienta que fusiona lo orgánico con la máquina, transformando la percepción corporal. Ejemplos como “Studio for Portrait-Masks” y las intervenciones performáticas de Rebecca Horn o Hanna Levy evidencian cómo estos artefactos no solo reconfiguran la imagen corporal, sino que actúan como un lenguaje artístico que reivindica la modificación de la identidad. Dentro de la segunda etapa, se aborda la escultura cíborg cuya piedra angular es el Manifiesto Ciborg de Donna Haraway, que desafía las dicotomías tradicionales entre organismo y máquina. La hibridación de materiales, visible en obras de artistas como Marguerite Humeau y el dúo Pakui Hardware, se convierte en el medio para repensar el cuerpo desde una perspectiva que interviene lo humano y lo tecnológico, abriendo nuevos discursos sobre raza, clase e identidad. La última fase, investiga la presencia de la idea del monstruo en la escultura, figura que representa lo irreconocible y subversivo. Instalaciones de Dominique White, Michele Gabriele y Klára Hosnedlová demuestran cómo lo monstruoso se utiliza para cuestionar y trascender los límites canónicos, ofreciendo nuevas posibilidades de resistencia y transformación cultural.
Derechos de autor 2025 Victoria Maldonado (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
ReCIA 1. «—por mucho que intentes mirar recto... gestos torcidos, prácticas invertidas y metodologías raras.» Portada, créditos e índice. Imagen de portada: Naomi Rincón Gallardo. Versos de Porquería [fotograma]. 2021. Video HD color. 23’54’’.
Gestos torcidos, prácticas invertidas y metodologías raras [para la investigación en artes]
«—Por mucho que intentes mirar recto […]» ha querido poner el acento en la parcialidad de la investigación académica en artes desde perspectivas críticas donde nos situamos y en la que nos reconocemos como grupo: en el cruce afectivo e interseccional del feminismo y lo queer/cuir conocido como feminismo queer o transfeminismo. […]
Derechos de autor 2025 Tatiana Sentamans, Daniel Tejero Olivares (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La Escultura como Umbral. Tránsitos y Evanescencias: Ecos de la Materia / Espacialidad y Experiencia / Dinámicas Temporales / Corporalidad y Presencia
El arte es hijo de su tiempo y la creación artística reflexiona sobre problemáticas actuales, aunque dirigiendo la mirada hacia un futuro que siempre es incierto y desconocido. Los artistas indagamos sobre el ser y sobre el mundo y nuestro pensamiento se materializa a través de diferentes formas, materiales, técnicas, procesos y medios. Aunque, éstos no se deben entender, nunca, como fines en sí mismos, sino que operan como vías que vehiculan y encarnan el Pensamiento y el Compromiso. Nuestro artículo se centrará en el ámbito de la escultura contemporánea y más concretamente señalaremos aquellos materiales que ponen en cuestión la permanencia de las obras de arte; noción que se consolida con el arte conceptual definiendo lo primordial de la idea sobre su realización. Para este estudio hemos seleccionado y analizado obras que trabajan con la energía frente a la materia y otras que albergan la dimensión temporal sobre la espacial, así como determinados proyectos que abordan conceptualmente la corporalidad, lo experiencial y lo existencial. Nuestro mundo es líquido, fluyente, inestable… cambiante. Por esta razón, trataremos de evidenciar como los conceptos de evanescencia y disolución implicados en la escultura actual acogen esa naturaleza permeable asociada con nuestra época.
Derechos de autor 2025 Yolanda HERRANZ PASCUAL (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El cuerpo como archivo: Efimeridad y permanencia en el espacio.
El cuerpo y el espacio mantienen una relación simbiótica que se manifiesta a través de la huella, el vestigio y la memoria. En el ámbito artístico, la performance permite explorar cómo el cuerpo transforma el espacio y, a su vez, cómo el espacio moldea la percepción del cuerpo. Este ensayo examina la intersección entre ambas disciplinas, la acción performativa y los lenguajes de la gráfica, analizando la capacidad del cuerpo para inscribirse en el entorno y generar nuevas narrativas visuales. A partir del proyecto Cuerpo-Espacio-Espacio-Cuerpo, se plantea una reflexión sobre la huella como registro de la presencia y sobre la manera en que la gráfica puede materializar lo efímero. Inspirándose en referentes como Ana Mendieta, se estudia el acto de inscribir el cuerpo en el espacio como un gesto de resistencia. Finalmente, se expone una metodología de trabajo basada en la acción performativa y su traducción a los lenguajes gráficos, estableciendo un diálogo entre el tiempo, la memoria y la inscripción corporal en el arte contemporáneo.
Derechos de autor 2025 Elena Pastor (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Goddess Art: Rituales performativos de poder y transformación en el arte feminista estadounidense de la segunda mitad del siglo XX
El Goddess Art, es una corriente artística que tuvo su expansión en las décadas de los sesenta y setenta del siglo pasado. Dentro de las diferentes disciplinas, la performance se caracterizó por su relación con lo ritual, debido a los nexos del Goddess art con la espiritualidad, psicología y contracultura, un hecho que confería a las acciones performativas de una cualidad transformadora. El Goddess Art no solo desafió las estructuras de poder dominantes, actuando frente a la dominación simbólica androcéntrica y restituyendo a las mujeres el control sobre sus cuerpos. A través de la exploración del cuerpo, las artistas crean nuevas imágenes y se reconectan con lo sagrado, desafiando las concepciones religiosas y sociales. Las performances, de carácter ritual, actúan como un espacio de resistencia, sanación y empoderamiento, tanto a nivel individual como colectivo, y continúan siendo fuente de inspiración para nuevas generaciones de artistas comprometidas con el arte como herramienta de experimentación, transformación y resistencia.
Derechos de autor 2025 Elena Menéndez Requeno (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Partiendo de la contraposición que existe entre los espacios naturales frente a los espacios construidos, la transformación y mutación del espacio natural y del mundo rural, así como la aniquilación progresiva de los bordes que separan arquitectura y urbanismo de enclaves naturales, se propone un trabajo basado en el contraste natural-artificial. Esta dualidad se aborda a través de los conceptos “construir para destruir” y “los procesos invisibles de transformación, sustitución y destrucción”. Para ello, se propone una instalación artística en la que una estructura adaptable al espacio en la que se sitúa y que se compone de perfiles metálicos propios del mundo de la construcción —puntales, andamios, largueros, etc.— y bastidores de diferentes dimensiones intervenidos en su cara interna, articularán el espacio y contendrá las piezas pictóricas, escultóricas y multimedia. Estas piezas configuran y modulan la estructura. De esta forma se crea una instalación a modo de estudio que trata lo antimonumental y el proceso invisible de la construcción de nuestros restos distópicos, profundizando en la relación entre ruina y arquitectura, así como en las capas, estratos y componentes que constituyen la ruina-presente-futuro. Para ello se trabaja de una forma experimental y desde múltiples disciplinas con las texturas, superficies y propiedades de la piedra, que simboliza el territorio natural y ocupado, y de materiales de carácter constructivo: hierro, cemento, hormigón, escayola, escombro, ladrillo... propios de la arquitectura moderna, generando una narrativa a través del contraste, la transformación y la amalgama de elementos.
Derechos de autor 2025 Belén Martínez Patón (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Voces en los márgenes: Una reflexión sobre la crisis de los refugiados y el refugio forzado
El presente ensayo visual analiza la crisis migratoria global, enfocándose en la situación de los refugiados en Europa, quienes, según la Convención de Ginebra, huyen de su país por temor a persecución. Sin embargo, los sistemas de asilo actuales son ineficaces y las promesas internacionales se incumplen. El proyecto “Voces en los márgenes” nace como respuesta crítica a esta terrible realidad, cuestionando el concepto de refugio y proponiendo un cambio de perspectiva hacia los refugiados, viéndolos como sujetos activos con derechos. La obra central Gold Tent critica la situación de los campamentos de refugiados, lugares donde los migrantes viven en condiciones precarias y de espera indefinida. El presente ensayo también destaca la tragedia de las muertes en las fronteras, concretamente en el Mediterráneo, donde miles de refugiados pierden la vida al intentar llegar a Europa. A través del uso de las mantas térmicas de rescate con los nombres de las víctimas, la obra busca recordar a los muertos y denunciar la deshumanización en las políticas migratorias. “Voces en los márgenes” es un llamamiento a la acción para que gobiernos e instituciones internacionales asuman su responsabilidad y construyan un futuro más justo, sin fronteras excluyentes.
Derechos de autor 2025 JOSÉ LUIS LOZANO (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La mujer artista utiliza su cuerpo como una materia orgánica actuando en situaciones cotidianas como dormir, comer, trabajar o bañarse, y utiliza lo que emana del cuerpo y sus acciones o performances para realizar obras de arte. Arte entrelazado con la vida, con sus esperanzas, sus defectos y sus denuncias. El arte (y el cuerpo) es utilizado como un instrumento de lucha, como una herramienta de reivindicación, de combate y autodefinición para plasmar visualmente y a menudo lo innombrable, lo menospreciado, lo minusvalorado… lo “femenino”, visto como debilidad y reconvertido por las artistas en fuerza y resistencia como indica el lema clave del movimiento feminista. Janine Antoni, Ana Mendieta, Marina Abramovic, Claude Cahun o Doris Salcedo, entre otras artistas, utilizan su cuerpo, su cabello, de forma real o metafórica, para otorgar a la cabellera femenina, menospreciada y ocultada por los fundamentalistas religiosos y vilipendiada por los padres de la iglesia por su erotismo, rapada por los soldados como castigo y venganza, y condenada a ser un nido de serpientes por la mitología, a demostrar la fuerza de ese cabello indomable, como uno de los atributos de la mujer más representativos de su rebeldía y convertirla en un medio de expresión al igual que su cuerpo.
Derechos de autor 2025 Sylvia Lenaers Cases (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
CIGaRhReRaS. Memoria matérica y poética de las trabajadoras de la fábrica de tabacos de Alicante
Este artículo presenta una investigación artística que da lugar a la instalación multimedia CIGaRhReRaS, centrada en la memoria de las mujeres trabajadoras de la antigua Fábrica de Tabacos de Alicante. Partiendo de una hipótesis poética que articula materia, lenguaje y experiencia, se desarrollan siete piezas inspiradas en elementos de la tabla periódica, la poesía de María Cegarra y materiales vinculados al trabajo fabril. La metodología intermedia combina la exploración documental en archivos históricos, la escucha activa de testimonios orales y la experimentación plástica y tecnológica. Esta aproximación permite construir un dispositivo artístico interactivo que convoca a la participación del público en la activación de memorias corporales y territoriales. El proyecto se inscribe en un paradigma feminista que busca recuperar memorias invisibilizadas y fomentar la construcción colectiva del conocimiento. Finalmente, se reflexiona sobre los nuevos interrogantes que esta práctica artística plantea, especialmente en relación con las interrelaciones entre cuerpo, trabajo, lenguaje y territorio.
Derechos de autor 2025 Emma Esplá Oliver (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0