ReCIA — Revista del Centro de Investigación en Artes
ReCIA — Revista del Centro Investigación en Artes de Altea es una revista científica bianual, electrónica, de acceso abierto (OJS), e internacional, con un sistema de revisión por pares ciegos. Es la revista del CÍA — Centro de Investigación en Artes de Altea de la Universidad Miguel Hernández, y por tanto una herramienta para dar difusión y amplificar la investigación contemporánea en artes. Surge del ensamblaje de los 5 Laboratorios de investigación del CÍA, de ahí su vocación interdisciplinar e integrada donde se combinan perspectivas y habilidades, pero también multidisciplinar, donde se trabaja de manera conjunta, pero cada quien desde el enfoque de su ámbito de especialización. ReCIA es un espacio abierto a investigadores e investigadoras, profesionales y estudiantes con interés o con especialización en el campo de la investigación en artes.
Términos de la licencia
Cristina Ghetti. Folding pattern series, 2020. Dibujo digital. Impresión digital sobre papel, 50 x 70 cm.
Derechos de autor 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
RAW MATTER #MATERIA EN CRUDO. Investigaciones y discursos artísticos sobre los Estados de la Materia: líquido, sólido, efímero, inmaterial
RAW MATTER #MATERIA EN CRUDO es el concepto del que parten los objetivos de este monográfico dedicado a las investigaciones y discursos artísticos sobre los estados de la materia: líquido, sólido, efímero, inmaterial.
Juan Francisco Martínez Gómez de Albacete
Derechos de autor 2025 Martínez Gómez de Albacete , Lourdes Santamaria Blasco, M. José Zanón Cuenca (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Todos somos líquenes. Nuevas prácticas artísticas para un mundo multiespecies
Avanzando ya en este siglo XXI, resulta cada vez más difícil negar la evidencia de que vivimos en un planeta herido. La capacidad del arte para generar preguntas, para cuestionarnos quiénes somos y en consecuencia cómo nos relacionamos con nuestro entorno, jugará un papel determinante en un futuro no muy lejano. Desde este punto de partida, podríamos hablar de dos aspectos clave que pueden servirnos de inestimable ayuda en este nuevo y fascinante viaje: por un lado, dedicarles una atención especial a los procesos de generación de la forma en la naturaleza y por otro, la adopción y la investigación de nuevas materialidades. La escultura contemporánea puede, y debe, nutrirse de esta nueva materialidad. Una materialidad que es materia y concepto al mismo tiempo. Así, atento a este contexto, mi obra artística surge de una extrañeza activa frente a un mundo cuya complejidad es inabarcable pero no por ello menos estimulante y seductora y desde la convicción de que las coordenadas en las que nos hemos movido en tantos campos nos han llevado a un camino de no retorno. Se trata de un trabajo que, apuesta decididamente por el acercamiento a esos procesos biológicos y simbióticos, a estas nuevas materialidades (bio-celulosa bacteriana, algas, biopolímeros de almidón, colofonia, micelio…) y a geometrías compuestas por múltiples superposiciones, discontinuidades y pliegues. Son obras que surgen de una mirada atenta a un mundo que nos deja más dudas que certezas, donde el tiempo y la materia son partes inseparables de la generación de la forma.
Derechos de autor 2025 Nacho Carbó del Moral (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El alabastro como soporte material y materia de creación
El objetivo fundamental y significativo de esta disertación es presentar la aportación plástica personal de nuestra investigación y creación mediante el alabastro, para abordar el binomio de materia/material desde la vertiente natural y cultural. Esto se centra en enumerar y exponer los diferentes proyectos de investigación y creación desarrollados a partir de la conceptualidad del alabastro. Por ello hacemos un recorrido tanto histórico como creativo sobre las posibilidades técnicas, expresivas y conceptuales del alabastro, un material al que define por su lenguaje plástico, color, textura, origen, etimología, manufactura, etc. Desde la antigüedad hasta la época contemporánea, el uso de este material lumínico puede ser entendido como soporte material y materia de creación significativa. La investigación se centró en cuatro variedades de alabastro y en sus planos matéricos con diferenciadas cualidades. El alabastro presenta distintas calidades y cualidades, convirtiéndose en una materia espiritual a través de su presencia física y a través de su intensidad luminosa y translucidez, que transciende como significación más allá del uso inmediato como soporte objetual. Conceptos fundamentales del lenguaje plástico del alabastro incluyen factores naturales, perceptuales, visuales, hápticos, semánticos, expresivos y conceptuales que operan en la transformación de la materia y la conformación de la forma a través del dualismo materia/forma.
Derechos de autor 2025 María-Jesús Cueto-Puente (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Entre el ser y el hacer es una reflexión sobre el origen y el quehacer de la expresión artística. Considerando el arte como forma de conocimiento para el artista, la expresión artística es el diálogo con la materia, con el espíritu, con la emoción, con la ciencia y con el humanismo, y lo más importante, junto con la interacción, es el compartir. Para la creación se ponen en sincronía cerebro, corazón y cuerpo, y ante cualquier nueva experiencia hay que escuchar y desarrollar la atención. ¡Cuántas neuronas se ponen en movimiento por todos los circuitos posibles ante la experiencia creativa, la experiencia artística y la experiencia estética! Además, en la creación, en la contemplación, en la experiencia estética, y en las experiencias meditativas, el corazón y el cerebro entran en comunicación en la medida justa. Eso nos permite percibir más allá de nosotros mismos, no tan condicionados por nuestra percepción del yo. Si pudiéramos sentir que todo y todos formamos parte de algo tan grande y complejo, abriríamos muchas barreras a nuestra capacidad de interpretar el mundo y sería más fácil establecer las relaciones entre las cosas. Ese vínculo indisoluble entre lo efímero y lo eterno, entre lo sólido y lo ligero, lo pesado y lo ingrávido, dan vueltas constantemente en mi quehacer. A través de la alquimia entre el pensamiento y los materiales que logran esa vinculación, podemos reflexionar sobre cuál es la capacidad y el papel del arte en la visión e interpretación del mundo.
Derechos de autor 2025 Pamen Pereira (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La escultura en el campo especulativo: prótesis, cíborg y monstruosidades
El artículo “La escultura en el campo especulativo: prótesis, cíborg y monstruosidades” explora tres vertientes en la reconfiguración del cuerpo y la identidad a través de la escultura contemporánea diseccionada en tres etapas. En la primera, se analiza la era protocíborg, entendida como la antesala del cíborg. Aquí, el concepto prótesis emerge como herramienta que fusiona lo orgánico con la máquina, transformando la percepción corporal. Ejemplos como “Studio for Portrait-Masks” y las intervenciones performáticas de Rebecca Horn o Hanna Levy evidencian cómo estos artefactos no solo reconfiguran la imagen corporal, sino que actúan como un lenguaje artístico que reivindica la modificación de la identidad. Dentro de la segunda etapa, se aborda la escultura cíborg cuya piedra angular es el Manifiesto Ciborg de Donna Haraway, que desafía las dicotomías tradicionales entre organismo y máquina. La hibridación de materiales, visible en obras de artistas como Marguerite Humeau y el dúo Pakui Hardware, se convierte en el medio para repensar el cuerpo desde una perspectiva que interviene lo humano y lo tecnológico, abriendo nuevos discursos sobre raza, clase e identidad. La última fase, investiga la presencia de la idea del monstruo en la escultura, figura que representa lo irreconocible y subversivo. Instalaciones de Dominique White, Michele Gabriele y Klára Hosnedlová demuestran cómo lo monstruoso se utiliza para cuestionar y trascender los límites canónicos, ofreciendo nuevas posibilidades de resistencia y transformación cultural.
Derechos de autor 2025 Victoria Maldonado (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
ReCIA 1. «—por mucho que intentes mirar recto... gestos torcidos, prácticas invertidas y metodologías raras.» Portada, créditos e índice. Imagen de portada: Naomi Rincón Gallardo. Versos de Porquería [fotograma]. 2021. Video HD color. 23’54’’.
Gestos torcidos, prácticas invertidas y metodologías raras [para la investigación en artes]
«—Por mucho que intentes mirar recto […]» ha querido poner el acento en la parcialidad de la investigación académica en artes desde perspectivas críticas donde nos situamos y en la que nos reconocemos como grupo: en el cruce afectivo e interseccional del feminismo y lo queer/cuir conocido como feminismo queer o transfeminismo. […]
Derechos de autor 2025 Tatiana Sentamans, Daniel Tejero Olivares (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La Escultura como Umbral. Tránsitos y Evanescencias: Ecos de la Materia / Espacialidad y Experiencia / Dinámicas Temporales / Corporalidad y Presencia
El arte es hijo de su tiempo y la creación artística reflexiona sobre problemáticas actuales, aunque dirigiendo la mirada hacia un futuro que siempre es incierto y desconocido. Los artistas indagamos sobre el ser y sobre el mundo y nuestro pensamiento se materializa a través de diferentes formas, materiales, técnicas, procesos y medios. Aunque, éstos no se deben entender, nunca, como fines en sí mismos, sino que operan como vías que vehiculan y encarnan el Pensamiento y el Compromiso. Nuestro artículo se centrará en el ámbito de la escultura contemporánea y más concretamente señalaremos aquellos materiales que ponen en cuestión la permanencia de las obras de arte; noción que se consolida con el arte conceptual definiendo lo primordial de la idea sobre su realización. Para este estudio hemos seleccionado y analizado obras que trabajan con la energía frente a la materia y otras que albergan la dimensión temporal sobre la espacial, así como determinados proyectos que abordan conceptualmente la corporalidad, lo experiencial y lo existencial. Nuestro mundo es líquido, fluyente, inestable… cambiante. Por esta razón, trataremos de evidenciar como los conceptos de evanescencia y disolución implicados en la escultura actual acogen esa naturaleza permeable asociada con nuestra época.
Derechos de autor 2025 Yolanda HERRANZ PASCUAL (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El cuerpo como archivo: Efimeridad y permanencia en el espacio.
El cuerpo y el espacio mantienen una relación simbiótica que se manifiesta a través de la huella, el vestigio y la memoria. En el ámbito artístico, la performance permite explorar cómo el cuerpo transforma el espacio y, a su vez, cómo el espacio moldea la percepción del cuerpo. Este ensayo examina la intersección entre ambas disciplinas, la acción performativa y los lenguajes de la gráfica, analizando la capacidad del cuerpo para inscribirse en el entorno y generar nuevas narrativas visuales. A partir del proyecto Cuerpo-Espacio-Espacio-Cuerpo, se plantea una reflexión sobre la huella como registro de la presencia y sobre la manera en que la gráfica puede materializar lo efímero. Inspirándose en referentes como Ana Mendieta, se estudia el acto de inscribir el cuerpo en el espacio como un gesto de resistencia. Finalmente, se expone una metodología de trabajo basada en la acción performativa y su traducción a los lenguajes gráficos, estableciendo un diálogo entre el tiempo, la memoria y la inscripción corporal en el arte contemporáneo.
Derechos de autor 2025 Elena Pastor (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Goddess Art: Rituales performativos de poder y transformación en el arte feminista estadounidense de la segunda mitad del siglo XX
El Goddess Art, es una corriente artística que tuvo su expansión en las décadas de los sesenta y setenta del siglo pasado. Dentro de las diferentes disciplinas, la performance se caracterizó por su relación con lo ritual, debido a los nexos del Goddess art con la espiritualidad, psicología y contracultura, un hecho que confería a las acciones performativas de una cualidad transformadora. El Goddess Art no solo desafió las estructuras de poder dominantes, actuando frente a la dominación simbólica androcéntrica y restituyendo a las mujeres el control sobre sus cuerpos. A través de la exploración del cuerpo, las artistas crean nuevas imágenes y se reconectan con lo sagrado, desafiando las concepciones religiosas y sociales. Las performances, de carácter ritual, actúan como un espacio de resistencia, sanación y empoderamiento, tanto a nivel individual como colectivo, y continúan siendo fuente de inspiración para nuevas generaciones de artistas comprometidas con el arte como herramienta de experimentación, transformación y resistencia.
Derechos de autor 2025 Elena Menéndez Requeno (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Partiendo de la contraposición que existe entre los espacios naturales frente a los espacios construidos, la transformación y mutación del espacio natural y del mundo rural, así como la aniquilación progresiva de los bordes que separan arquitectura y urbanismo de enclaves naturales, se propone un trabajo basado en el contraste natural-artificial. Esta dualidad se aborda a través de los conceptos “construir para destruir” y “los procesos invisibles de transformación, sustitución y destrucción”. Para ello, se propone una instalación artística en la que una estructura adaptable al espacio en la que se sitúa y que se compone de perfiles metálicos propios del mundo de la construcción —puntales, andamios, largueros, etc.— y bastidores de diferentes dimensiones intervenidos en su cara interna, articularán el espacio y contendrá las piezas pictóricas, escultóricas y multimedia. Estas piezas configuran y modulan la estructura. De esta forma se crea una instalación a modo de estudio que trata lo antimonumental y el proceso invisible de la construcción de nuestros restos distópicos, profundizando en la relación entre ruina y arquitectura, así como en las capas, estratos y componentes que constituyen la ruina-presente-futuro. Para ello se trabaja de una forma experimental y desde múltiples disciplinas con las texturas, superficies y propiedades de la piedra, que simboliza el territorio natural y ocupado, y de materiales de carácter constructivo: hierro, cemento, hormigón, escayola, escombro, ladrillo... propios de la arquitectura moderna, generando una narrativa a través del contraste, la transformación y la amalgama de elementos.
Derechos de autor 2025 Belén Martínez Patón (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Voces en los márgenes: Una reflexión sobre la crisis de los refugiados y el refugio forzado
El presente ensayo visual analiza la crisis migratoria global, enfocándose en la situación de los refugiados en Europa, quienes, según la Convención de Ginebra, huyen de su país por temor a persecución. Sin embargo, los sistemas de asilo actuales son ineficaces y las promesas internacionales se incumplen. El proyecto “Voces en los márgenes” nace como respuesta crítica a esta terrible realidad, cuestionando el concepto de refugio y proponiendo un cambio de perspectiva hacia los refugiados, viéndolos como sujetos activos con derechos. La obra central Gold Tent critica la situación de los campamentos de refugiados, lugares donde los migrantes viven en condiciones precarias y de espera indefinida. El presente ensayo también destaca la tragedia de las muertes en las fronteras, concretamente en el Mediterráneo, donde miles de refugiados pierden la vida al intentar llegar a Europa. A través del uso de las mantas térmicas de rescate con los nombres de las víctimas, la obra busca recordar a los muertos y denunciar la deshumanización en las políticas migratorias. “Voces en los márgenes” es un llamamiento a la acción para que gobiernos e instituciones internacionales asuman su responsabilidad y construyan un futuro más justo, sin fronteras excluyentes.
Derechos de autor 2025 JOSÉ LUIS LOZANO (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La mujer artista utiliza su cuerpo como una materia orgánica actuando en situaciones cotidianas como dormir, comer, trabajar o bañarse, y utiliza lo que emana del cuerpo y sus acciones o performances para realizar obras de arte. Arte entrelazado con la vida, con sus esperanzas, sus defectos y sus denuncias. El arte (y el cuerpo) es utilizado como un instrumento de lucha, como una herramienta de reivindicación, de combate y autodefinición para plasmar visualmente y a menudo lo innombrable, lo menospreciado, lo minusvalorado… lo “femenino”, visto como debilidad y reconvertido por las artistas en fuerza y resistencia como indica el lema clave del movimiento feminista. Janine Antoni, Ana Mendieta, Marina Abramovic, Claude Cahun o Doris Salcedo, entre otras artistas, utilizan su cuerpo, su cabello, de forma real o metafórica, para otorgar a la cabellera femenina, menospreciada y ocultada por los fundamentalistas religiosos y vilipendiada por los padres de la iglesia por su erotismo, rapada por los soldados como castigo y venganza, y condenada a ser un nido de serpientes por la mitología, a demostrar la fuerza de ese cabello indomable, como uno de los atributos de la mujer más representativos de su rebeldía y convertirla en un medio de expresión al igual que su cuerpo.
Derechos de autor 2025 Sylvia Lenaers Cases (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
CIGaRhReRaS. Memoria matérica y poética de las trabajadoras de la fábrica de tabacos de Alicante
Este artículo presenta una investigación artística que da lugar a la instalación multimedia CIGaRhReRaS, centrada en la memoria de las mujeres trabajadoras de la antigua Fábrica de Tabacos de Alicante. Partiendo de una hipótesis poética que articula materia, lenguaje y experiencia, se desarrollan siete piezas inspiradas en elementos de la tabla periódica, la poesía de María Cegarra y materiales vinculados al trabajo fabril. La metodología intermedia combina la exploración documental en archivos históricos, la escucha activa de testimonios orales y la experimentación plástica y tecnológica. Esta aproximación permite construir un dispositivo artístico interactivo que convoca a la participación del público en la activación de memorias corporales y territoriales. El proyecto se inscribe en un paradigma feminista que busca recuperar memorias invisibilizadas y fomentar la construcción colectiva del conocimiento. Finalmente, se reflexiona sobre los nuevos interrogantes que esta práctica artística plantea, especialmente en relación con las interrelaciones entre cuerpo, trabajo, lenguaje y territorio.
Derechos de autor 2025 Emma Esplá Oliver (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Luz y sombra en la hoja de coca. De la sacralidad de la inalmama al narcoarte
El presente artículo analiza la dualidad de la hoja de coca para explorar su significado cultural ancestral y su estigmatización en el contexto contemporáneo. Mientras que para las civilizaciones andinas ha sido una planta sagrada con usos medicinales y rituales, en el ámbito global se recrimina su relación con el narcotráfico, lo que ha llevado a demonizarla, enfrentando una constante controversia que a menudo conlleva la erradicación de los cocales. A través del arte y las representaciones museísticas, se evidencia cómo la narcocultura ha ganado mayor visibilidad que las expresiones artísticas que reivindican la tradición de la coca. Esta dicotomía refleja no sólo una lucha por el significado ancestral de la planta, sino también la influencia de discursos ideológicos dominantes que moldean la percepción global de la coca y su impacto en la sociedad contemporánea.
Derechos de autor 2025 Laura González Tinoco (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dimensión expandida: cuando la pintura cobra vida
En el presente ensayo visual, se analiza la obra audiovisual generativa Folding Pattern (2014) Una colaboración realizada por Cristina Ghetti, artista visual y Emanuelle Mazza, programador informático. El paso de una obra pictórica matérica a una obra audiovisual implica una transformación significativa en términos de lenguaje, percepción y experiencia sensorial. El desarrollo del presente proyecto nos ha permitido estudiar las distintas situaciones que se producen en el pasaje de una obra material (pintura), que exige una interpretación más pausada y reflexiva a una obra audiovisual que incorpora las variables de movimiento, tiempo y sonido, generando una experiencia inmersiva y multisensorial. La creación de estas piezas surge del concepto de interrelacionar: geometría, color, materia, movimiento y sonido, utilizando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción en el contexto de las nuevas tecnologías y los nuevos modos de producción y difusión de las propuestas artísticas.
Derechos de autor 2025 Cristina Ghetti (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Esculturas mediante petrificación en Santiago del Teide, Tenerife, Islas Canarias
Nuestro Grupo de investigación Arte y Entorno: Creación, Conservación, Comunicación mantiene, desde hace más de una década, una línea de trabajo dedicada a investigar la cualidad petrificante que presentan las aguas de galerías-minas excavadas en terrenos volcánicos y los modos diversos en que pueden usarse para generar obras escultóricas. Hemos experimentado, paralelamente, en varias vertientes del tema: 1. Indagación del entorno y aplicación creativa de las rocas (Sánchez, 2015; Sánchez et al., 2022); 2. Métodos para petrificación en moldes 3D (Meier et al., 2019); 3. Elaboración de cal y su aplicación en escultura mural y arquitectura bioclimática (Sánchez et al. 2023); y, en múltiples ocasiones realizando esculturas mediante procesos de labra aplicados en bloques pétreos provenientes del interior de atarjeas o tuberías, con resultados que se han presentado en sucesivas exposiciones colectivas, entre 2013 y 2024. Planteamos aquí un tema que hasta ahora no se ha tratado con suficiente amplitud y profundidad: elaboración de esculturas mediante petrificación sobre moldes o preformas; se ha seleccionado para ello una galería ubicada en Santiago del Teide – X 321.824, Y 3.130.169, Z 773- cuyas aguas presentan altísima conductividad (5.965 µS/cm) y manan a un barranquillo de libre acceso. Mediante técnicas tradicionales de la escultura (modelado. moldeo, armazones o preformas en diversos materiales) se han preparado las formas para petrificación que, sometidas a la acción del agua (inmersión/spray) durante periodos que oscilan entre uno a tres meses, han permitido obtener obras escultóricas de tipo variado, que abren posibilidades de alto interés en nuestro ámbito del conocimiento.
Derechos de autor 2025 Juan Antonio Álvarez Rodríguez, Tomás Oropesa Hernández, Mauricio Pérez Jiménez (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Dibujo, escultura, paisaje. Artilugios y mecanismos para construir “catedrales” y crear “monstruos”
El ensayo visual expone aportaciones seleccionadas, perteneciente a dos series de material gráfico y escultórico. La reflexión textual corresponde a un. punto de partida o acicate para la creación artístico-plástica mostrada por medio de reproducciones fotográficas. Se trata de poner en valor la materialidad de las piezas (esculturas) y dibujos cuyo objetivo es una indagación previa para la escultura, con la finalidad de presentar sendos conjuntos surgidos en momentos temporalmente correlativos, pero a veces superpuestos. La serie: “Ciudad-planta/Planta-(de)-ciudad; catedrales y monstruos”, seguida de la serie: “Sin título (artilugios-mecanismos)”, muestran una formalización plástica diferenciada. Las interferencias del plano material con el espacio y el tiempo constituyen disrupciones y rupturas que entrelazan el hacer material con la idea paisajística y su transformación gradual, plasmada significativamente en edificios y elementos singulares de la ciudad, capturados e intervenidos a modo de imagen, trayendo a colación en el acontecer de artilugios-mecanismo ruinosos en cementerios fabriles-arquitectónicos. De ahí a la materialización gráfico-escultórica tercia el apoyo de los levantamientos cartográficos; mapas y planos cuya convención representacional cercana a lo abstracto del territorio-paisaje —”ciudad-planta” versus “planta-(de)-ciudad”— funciona a la manera de materia-prima en la aproximación hacia lo sólido-tangible en cuanto a la técnica escultórica puesta en práctica en el seno de sus procesos y usos procedimentales.
Derechos de autor 2025 Amaia Lekerikabeaskoa-Gaztañaga, Isusko Vivas-Ziarrusta (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
(Essere) fiume. Reflejar el paisaje, activar la memoria topográfica.
(Essere) fiume es una pieza artística llevada a cabo y expuesta en el marco de la Exposición Internacional Ecos y Resonancias de la Tierra, ubicada en el Centro Carmen Jiménez de La Zubia, Granada, España, como parte del I Festival de Arte y Naturaleza FANZ, celebrado a lo largo del mes de febrero de 2025. A través de la exploración de la confluencia entre la profunda interpretación de la mímesis griega que Giusseppe Penone propone en su serie Essere fiume (1947-1981), en la que el arte se convierte en un espejo de los ciclos de transformación de la naturaleza y el artista en quien los produce, la pieza que se presenta deriva del ideario del escultor italiano y se basa en la inmaterialidad del reflejo para no solo reconstruir sino también activar la memoria topográfica del paisaje. Así, evoca elementos perdidos o transformados con el paso del tiempo y subrayando, de este modo, que el entorno en el que sucede el arte no se trata de un escenario pasivo, sino de un elemento, un protagonista activo que registra, conserva y (re)construye su propia narrativa.
Derechos de autor 2025 Gonzalo José Tejero Pérez (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Las Islas Canarias se conforman en su totalidad por materiales de origen volcánico. Los magmas que forman el archipiélago son inicialmente ultramáficos (contenido en sílice menor del 45%, altos porcentajes de MGO y FeO, erupciones fluidales), durante su ascenso en la corteza terrestre, con las bajadas de presión/temperatura y la cristalización de elementos que tienen mayor grado de fusión, la parte fluidal del magma será cada vez más alcalina (llegando a superar el 70% de contenido en sílice, dando lugar a erupciones domáticas y finalmente explosivas). Se ha de considerar asimismo que cada una de las Islas Canarias se encuentra en un momento evolutivo diferente: fase de desmantelamiento en las islas orientales (afloramiento de materiales endógenos y materiales alterados), intermedio en las centrales (materiales de depósito exógeno alterados) y crecimiento activo en las islas más occidentales (materiales jóvenes, sin oxidación). Debido a las circunstancias anotadas – diferenciación magmática, tipos eruptivos, fases de crecimiento/desmantelamiento- tenemos a nuestra disposición una gama de materiales ígneos excepcionalmente amplia, muy diversos en cuanto a composición, textura, resistencias frente a impacto y abrasión, o posibilidades de pulimento, que pueden adaptarse, en el ámbito de la escultura, a las distintas necesidades de comunicación estética. El presente trabajo analiza diferentes familias de rocas volcánicas: basaltos, fonolitas, traquitas, ignimbritas y pumitas, destacando sus principales características a nivel estructural y viso-táctil, que se correlacionan con las posibilidades y límites en escultura, tanto a nivel compositivo como en los procesos de desbaste, labra y tratamiento superficial.
entorno volcánico, Canarias, creación artística, lenguaje, materiales, procesos técnicos
Derechos de autor 2025 María Isabel Sánchez Bonilla (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Un temblor lesbiano. Notas para una cartografía crítica de la historiografía feminista canónica sobre las prácticas artísticas lesbianas en el Estado español
El «temblor lesbiano» se propone como un marco conceptual para dislocar los regímenes de percepción y representación visual dominantes, ofreciendo una crítica a las narrativas hegemónicas que han invisibilizado las prácticas y los discursos lesbianos en la historia del arte. Tomando la ecología del temblor de Koba Gómez en una suerte de manifiesto que nos invita a pensar las imágenes lesbianas desde la potencia disruptiva y cómplice de su aparecer, se plantea un recorrido crítico por los intentos de sujeción hegemónicos ejercidos desde la historia del arte –incluso desde aquella que se supone feminista, crítica y contra-hegemónica– sobre las imágenes atravesadas por identidades, deseos, estéticas y discursos lesbianos. A través de una metodología híbrida que combina el análisis teórico con una aproximación poética, se despliega una cartografía crítica de la historiografía feminista canónica sobre las prácticas artísticas lesbianas contemporáneas en el Estado español y sus principales aportes tanto a nivel expositivo como en materia de publicaciones, seminarios y otro tipo de encuentros. En esta revisión del statu quo (temblores sujetados) se señalan las lógicas de exclusión y encorsetamiento que estas han reproducido sobre ciertas imágenes y discursos lesbodisidentes. La hipótesis de partida es entender cómo las imágenes lesbianas, en su aparecer, conforman un temblor que alberga la capacidad de desbaratar las hegemonías visuales y abrir nuevos campos de percepción que pongan en cuestión las lógicas de la representación y las construcciones históricas. Este texto propone reflexionar acerca de la necesidad de generar otros espacios de contacto y modos de encuentro que habiliten nuevas formas de investigación con estas imágenes, así como con los cuerpos y contextos que las sostienen y posibilitan.
Derechos de autor 2024 Paula García Robleño (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La dificultad de traducir "queer" al español es un reflejo de cómo las palabras pueden llevar consigo un peso histórico y cultural que varía según el contexto. Se abordan las raíces complejas del término y cómo ha sido utilizado de diferentes maneras a lo largo del tiempo, desde su uso despectivo hasta su reapropiación como un símbolo de resistencia y diversidad. El paso de "queer" a "cuir" es especialmente significativo, ya que representa un esfuerzo por descolonizar el lenguaje y adaptarlo a realidades locales. Este cambio no solo busca una traducción literal, sino que también intenta capturar la esencia de las luchas y experiencias de las comunidades en América Latina, que a menudo son diferentes de las que se viven en contextos anglófonos. Se establece en este sentido una conexión entre la voz "cuir" y la crítica a las estructuras de poder hegemónicas. Al adoptar y adaptar el término de esta forma “malsonante”, “mal escrita”, se crea un espacio para que las voces y experiencias de las comunidades marginalizadas sean escuchadas y validadas. Esto es un paso importante hacia la construcción de un lenguaje que refleje la diversidad y complejidad de las identidades y luchas en el sur global desde una perspectiva latinoamericana. El debate sobre "queer" y "cuir" no solo es una cuestión de traducción, sino también de reconocimiento y reivindicación de las luchas por la igualdad y la justicia social.
Derechos de autor 2024 Sayak Valencia (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Trastienda mazmorra es un ensayo visual que recoge una serie de collages digitales realizados con carboncillo y fotografías que exploran las posibilidades procesuales del género del creepypasta (relatos de terror generados en el contexto de internet) como metodología queer/cuir. Trastienda mazmorra es un experimento estético que pone en diálogo las experiencias en prácticas BDSM (Bondage, Dominación/Sumisión y Sadomasoquismo) y la creación de creepypastas, ya que estas parten de una premisa similar: el “no sé” como punto de partida.
Derechos de autor 2024 Clara Moreno Cela (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Un archivo inexistente es una serie de fotografías ficticias de parejas homosexuales y personas queer o no binarias, de clase trabajadora y situadas a principios del siglo XX en América Latina. Las imágenes fueron creadas con inteligencia artificial generativa, por lo que no corresponden a personas reales. Se trata de un ejercicio retrofuturista que utiliza algoritmos computacionales —tecnología habitualmente inmersa en narraciones de futuro— para reimaginar nuestro pasado queer/kuir local y reivindicar un archivo que ni siquiera pudo existir. Y es que, como explicó el crítico cubano-norteamericano José Esteban Muñoz, una de las consecuencias de la cultura heteronormativa es que la experiencia queer del pasado casi no pudo dejar registro ni archivo. Esta negación del archivo es todavía más dramática para las personas del sur global y de clases trabajadoras. Inicialmente, el texto aborda algunos antecedentes de obras que experimentaron con IA generativa tituladas Imaginación artificial. Adicionalmente, el artículo señala algunas consideraciones y consecuencias “tecno-poéticas” del trabajo con modelos de IA. Por ejemplo, las que derivan del uso del proceso de “difusión” inverso, que podría describirse como un engaño al modelo, que le obliga a retornar a una hipotética imagen previa que nunca existió. O la necesidad de contrarrestar los sesgos de clase y raza presentes en las bases de datos con las que se entrenaron los modelos, obstáculo del cual emergió el concepto de prompt minoritario. Por último, el artículo también explica la decisión de mantener los errores en la representación corporal que son propios de estas técnicas. Esos errores se integran al proyecto como una capa adicional de disidencia corporal y como un límite ético-político que evidencia su origen artificioso, para evitar que estas imágenes pudiesen llegar a encubrir el pasado de violencias que impidió su propia existencia.
Derechos de autor 2024 Felipe Rivas San Martín (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
"De tu epidermis surgen esporas”. Mirando tocando, tocando mirando
El texto explora la intersección entre filosofía, danza, performance, somática desde perspectivas críticas de una forma transdisciplinar. A través de la performance titulada De tu epidermis surgen esporas realizada por la propia Marie Bardet en colaboración con val flores, el texto busca desbordar las nociones tradicionales de cuerpo y género, utilizando prácticas somáticas y exploraciones sensoriales, y subrayando la importancia de la experiencia corporal y la conexión entre los sentidos, cuestionando el oculocentrismo que separa y prioriza la vista sobre otros sentidos. La performance se convierte en un espacio de resistencia y celebración, donde se entrelazan el tacto, la mirada y el sonido, creando una experiencia multisensorial que desafía las normas establecidas. El texto también aborda la necesidad de repensar las relaciones entre cuerpo, espacio y poder, enfatizando la importancia de la escucha y la atención a los gestos como formas de resistencia política. Plantea que el cuerpo no es un objeto pasivo, sino un ente fundamentalmente relacional de agenciamiento, que participa en la construcción de significados y en la transformación social. Finalmente, invita a reflexionar sobre cómo las prácticas somáticas y artísticas pueden contribuir a la creación de nuevas formas de conocimiento y de resistencia frente a las estructuras de poder hegemónicas, promoviendo una consideración más inclusiva y plural de la corporalidad.
Derechos de autor 2024 Marie Bardet (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Opacidades Tácticas. Técnicas de contravisualidad como estrategia infrapolítica
El presente ensayo visual comparte los resultados gráficos parciales de la investigación artística «Metodologías críticas en investigación #1. Epistemologías disidentes, contravisualidades y procedimientos opacos para la práctica de la entre/vista» (Premio CAC-PALMA de investigación artística, 2021), concretamente del proceso de análisis de datos, dando como resultado la creación de la serie Opacidades tácticas. El concepto se enmarca teórica y metodológicamente a partir de distintos proyectos experimentales de investigación artística alrededor de la creación de formas de representación y registro, cuidadas y seguras, para colectivos marginalizados y empobrecidos ontoepistémica y visualmente. La propuesta, contextualizada en el actual marco de explotación de dispositivos de vigilancia y usos estadísticos de la imagen técnica, apunta hacia una problematización del paradigma de la visibilidad como inherentemente positiva, animando a la comunidad de artistas–investigadoras a contemplar el uso de metodologías críticas que prioricen la protección de los silencios y las discontinuidades en sus procesos de investigación–creación.
Derechos de autor 2024 Andrea Corrales Devesa (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La cultura no es una autopista, los museos podrían ser jardines. Toma de decisiones y distribución de recursos en el ámbito de la producción artística y cultural, Lucía Egaña Rojas y Giuliana Racco, autoedición, 2024, 166 pp., ISBN: 978-84-128020-2-3
La cultura no es una autopista, los museos podrían ser jardines es una escritura híbrida que deambula entre la museología y la crítica feminista, la investigación en ciencias sociales y las metodologías artísticas. Analiza las estructuras institucionales de poder y segregación en museos, principalmente de Cataluña. Incorpora un glosario, preguntas clave, recomendaciones para convocatorias éticas, entre otros insumos, para problematizar las operaciones de discriminación que condicionan el acceso y la asignación de recursos, tanto públicos como privados. Esta publicación, localizada geopolíticamente en el norte global, pone a disposición un conjunto de herramientas que invitan a descentrar la mirada crítica e investigativa de les artistas y sus prácticas, para volcarla a les agentes que conforman el campo de poder del sistema artístico y, así, mirarles de vuelta.
Derechos de autor 2024 Ivón Figueroa Taucán (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Lágrimas de Sangre: Comparativa entre lo sagrado y lo queer en Habitaciones Exiguas
El presente proyecto se centra en la reinterpretación de la novela Habitaciones Exiguas (1978) de James Purdy a través de la creación de un fanzine que explora las complejas dinámicas de deseo, poder y traición presentes en la obra original. Mediante el uso de una metodología queer y la literatura comparada, se propone una lectura torcida del texto, que subvierte y recontextualiza sus elementos clave, integrando iconografía cristiana, estética leather y referencias culturales contemporáneas como Jesucristo Superstar (2000). El fanzine se convierte en un espacio donde los límites entre la teoría y la práctica artística se desdibujan, permitiendo una expresión libre y experimental. A través de collages, textos y simbología, se exploran las intersecciones entre la sexualidad, la violencia y lo sagrado, cuestionando las normas sociales y proponiendo nuevas formas de entender el deseo y la subjetividad. El proyecto no solo rinde homenaje a la obra de Purdy, sino que también destaca la relevancia de su obra en la actualidad, ofreciendo una plataforma para la crítica cultural desde una perspectiva queer.
Derechos de autor 2024 Claudio García Lorente (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Lesbianak edonon. Una propuesta de análisis afectivo y material de la revista Sorginak (1986-1994) del Colectivo deLesbianas Feministas de Euskadi.
Este artículo aborda el caso de la primera etapa de la revista Sorginak, autopublicada por el Colectivo de Lesbianas Feministas de Euskadi, mediante los marcos interpretativos de la historiografía del Movimiento Feminista, los Frentes de Liberación Homosexual de la Transición democrática y los activismos queer de la década de 1990. Atendiendo primero al desarrollo político del grupo en el contexto de los movimientos feministas y LGTBIQ+ en Euskal Herria, analizaremos algunos de los procesos y estrategias que pueden rastrearse en Sorginak como parte de un ejercicio de imaginación poético-política colectiva. Concretamente, primero se analizará la organización del trabajo colectivo en este proyecto editorial, defendiendo la noción de autopublicación, para después atender a sus contenidos afectivos, los cuales proponemos abordar para la construcción de otros relatos históricos. Con ello, este trabajo busca expandir las fuentes para el estudio de las memorias y resistencias LGTBIQ+ atendiendo, concretamente, a la potencialidad de Sorginak como creadora de contra-públicos lesbianos y bolleros.
Derechos de autor 2024 Elena Olave Duñabeitia, Pedro Merchán Mateos (Autor/a) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0